Cannes 2025: Die My Love, Pillion, Miroirs No. 3 | Festivaler och priser

Efter det som kändes som en långsam start exploderade Cannes 2025 under helgen med lovade premiärer från älskade filmskapare som Lynne Ramsay, Richard Linklater och Wes Anderson, tillsammans med några anmärkningsvärda debut. Denna sändning har en brinnande filmhallucination från regissören för “You Were Never Werw Here”, ett smart litet experiment i teman som har definierat karriären för en tysk auteur, och ett tillkännagivande av en stor ny talang i en av de två otroliga debuterna som jag har sett på denna festival i år (Robert Daniels täcker den andra, så jag kommer att hålla den hemligheten för nu).

Låt oss komma till Scorcher, en film som tar depression efter födseln och förvandlar den till en punkrock -skräck mardröm. Lynne Ramsay anpassar Ariana Harwiczs bok med henne “Die, min kärlek,” Ett oapologetiskt primärt skrik av en film som stängde av vissa människor i Cannes men fick tillräckligt med surr att Mubi tog tag i det för en enorm $ 23 miljoner i hopp om att den kan ha en liknande bana som de gjorde förra året med “ämnet.”

Vi har sett drama om de frågor som kan uppstå efter ett barns födelse tidigare, men aldrig hur Ramsay gör det här och förvandlar dessa tumultiga dagar och veckor till en feberdröm, en mardröm av sexualitet, våld, konflikt och maniskt beteende. Allt det filtreras genom karriärbästa arbetet från Jennifer Lawrence, som är orädd som Grace, partner till Robert Pattinsons Jackson. Paret flyttar in i Jacksons sena farbrors hem när filmen öppnas, och man kan känna att spänningen är vid horisonten direkt från prologen. Huset är en röra – de föreslår att de får en katt för att hantera råttorna Jackson ser på övervåningen – men hej, de är tillräckligt långt borta från grannarna att han kan spela sin musik så högt som han vill.

Inte länge har Jackson och Grace fått ett barn, och Ramsay börjar leka med ljud som hon så ofta gör i sina filmer och peppar i inte bara oavbrutna babyljud utan den gitterande sjungande musik som definierar tidig barndom. (Med tre egna barn har jag hört allt.) När Jackson kommer hem med en herrelös hund som skäller hela tidendet blir en annan del av Ramsays Sonic Hellscape, en som fortsätter att driva nåd längre och längre över kanten. Jackson är inte runt – han är på väg som gör något odefinierat, även om Grace är övertygad om att han sover runt – och det betyder att Grace är ensam med hennes allt mer intensiva tankar.

Hon försämrar marken med en kniv, rippar sina kläder regelbundet, onanerar ofta och blir i princip en primär version av sig själv. Ramsay är noga med att inte presentera nåd som någon som motsätter sig sitt barn – hon kämpar tillbaka mot dessa påståenden från Jackson, och vi tror henne – men som någon som har slags sprickat av verkligheten från moderskapets tryck. Pattinson är vanligtvis bra som den typ av kille som bara ser med förvirring på en kvinna som han inte längre känner igen men inte har karaktären att göra mycket åt det. (Det hjälper till att ha legender som Sissy Spacek och Nick Nolte i den stödjande rollen också.)

Filmen tillhör dock Lawrence och Ramsay. Den Oscar-vinnande skådespelerskan har aldrig varit mer orädd, skrikande, scowling och kastat sig själv genom den här filmen på ett sätt som konsekvent är hisnande. Ramsay är hennes sanna partner, som använder sin anmärkningsvärda skicklighet med hantverk, särskilt i ljuddesign och redigering (av Toni Froschhammer), för att göra en film som känns obeveklig i sin aggression. Hon vill inte att du passivt ska se någon gå igenom trauma efter födseln – hon vill att du ska känna detinte bara som en intellektuell övning utan i dina ben och i dina tarmar.

Det är för enkelt att sätta Graces dilemma i en låda fylld med medicinska buzzwords. Det händer mer här, och Ramsay tillåter sin film att bli mer surrealistisk, vilket gör att vi kan ifrågasätta vad som till och med händer, desorienterar oss lika mycket som vår huvudperson. Det skapar en oförglömlig filmupplevelse, ett fullständigt avslag på det förenklade sättet på vilket vi ibland pratar om komplexa mentala och relationsfrågor. Det är en mördare.

En liknande rädsla går genom den otroligt säkra debuten från Harry Lighton, “Pillion,” En undersökning av DOM/underkultur genom linsen i ett sexuellt uttryckligt förhållande mellan två mycket olika män. Det är anmärkningsvärt att se en film, särskilt från en första regissör, ​​som så tydligt definierar vad den kommer att göra och sedan unapologetically sätter sig om att göra det med en sådan mager, no-nonsense-strategi. Debutfilmskapare saknar ofta den typen av effektivitet, oavsett om de är rädda för sina egna idéer eller har inte riktigt fyllt i sitt kortfilmskript för att ha längd med material som till och med intresserar dem. Det finns ingen sag i “Pillion”, en film som tar risker för att berätta om hur två extremt olika män finner sexuell tillfredsställelse nästan genom hur de fyller i de roller de har kommit att bebo i samhället.

Colin (Harry Melling) är den besvärliga trafikvakten som vi träffar och sjunger i en kvartett med sin far; Ray (Alexander Skarsgard) är den “omöjligt stiliga” cyklisten som han stöter på i baren. En gissning vem som är dom och vem som är sub. Till och med deras hundar är avsedda att avgränsa de sexuella roller de bebor, med Rays uppvägande Colins med goda 80 pund. Deras första möte innehåller Ray -tvingande Colin på knäna där han upptäcker att denna blyga brit kanske inte är så upplevt vid oralsex. Ray slutar ändå och åker ut på natten, Colin ler när han torkar ansiktet. Ray har troligen gått igenom män som Colin tidigare i sitt liv, och vi kommer så småningom att träffa en hel grupp cyklist/slavpar, men det här är helt nytt för Colin, och han älskar det, även om han inte kan ta Ray hem för att träffa mamma och pappa.

Dynamiken mellan dem definieras när han tillåter Colin tillbaka till sin lägenhet. Vad Colin först tycker kan vara ett datum är mer en mycket specifik uppsättning regler. Colin kommer att laga mat. Colin kommer att sova på golvet. Colin kommer inte att sitta på soffan. De kommer att brottas och ha sex på Rays villkor. Han beordrar Colin att få en rumpa plugg eftersom han är för snäv och Colin förpliktar glatt. Innan du vet ordet av det har han ett rakat huvud och en kedja med ett lås runt halsen. Förmodligen en rumpa plugg också.

“Pillion” är fascinerande i sin skildring av hur nöjda människor kan vara i sexuellt laddad dynamik som vissa kan anser vara ovanlig. Som Ray säger i en utmärkt scen, bara för att det de är kan göra dig obekväm borde inte vara deras problem. Skarsgard och Melling är fantastiska, den tidigare lutade in i sin nordiska gud utseende, han känner varje vinkel för att visa upp sin skönhet, på ett sätt som gör det logiskt att människor skulle göra allt han säger dem att göra. Melling tar en del som är ännu mer utmanande och spikar det. Vi måste tro att inte bara att Colin skulle förnedra sig själv upprepade gånger, utan att det är så han skulle hitta sin största tillfredsställelse i livet. Vi gör.

I själva verket av filmhistoria måste “Pillion” införa konflikter i denna sexuella dynamik, men Lighton gör det intressant och noggrant, vilket leder till några otroliga scener i den slutliga akten, inklusive en takt med Skarsgard när han låter perfektion sjunka och vi inser hur mycket han har gjort för hela filmen. Det landar på en plats som inte bedömer någon av dessa människor och kartlägger ett formativt kapitel i åtminstone Colins liv. Ray kommer också att komma ihåg det.

Minne och förlust har varit teman under hela Christian Petzolds arbete, som gjorde en av mina favoritfilmer genom tiderna i “Phoenix” och annat utmärkt arbete som “Transit”, “Undine” och hans senaste, “Afire.” Hans “Miroirs nr 3” är onekligen mindre jämfört med några av dessa verk, ett slags tematiskt experiment som Petzold enligt uppgift sköt på bara några dagar, men det är också roligt och konsekvent engagerande. Det är mindre Petzold, men det är fortfarande värt att se, särskilt för fans av hans andra verk.

Återigen samarbetar Petzold med sin mus, Paula Beer, som spelar en kvinna som heter Laura som verkar lite oroad när filmen öppnas. Hon åker någonstans med sin pojkvän, men hon vill inte vara där och övertyga honom att ta henne tillbaka till tågstationen när de anländer. På vägen till och från deras första destination fångar Laura ögat på en kvinna som målar staketet i slutet av sin uppfart, någon som ser ut som om hon har sett ett spöke. En bilolycka inträffar inte långt på vägen och dödar Lauras pojkvän, och hon hamnar med att vandra tillbaka till detta främlings hus i en fuga stat, nästan som om något drar henne dit.

Petzold spelar igen med identitet, eftersom det blir klart ganska tidigt att Laura ersätter någon i detta hem som såg ut som henne men har gått förlorad. Innan hon vet det, bär hon den här andra kvinnans kläder, lagade mat de måltider hon lagade mat och till och med spelade sitt piano. De säger att vi alla har doppelgänger. Vad händer om en doppelgänger av en förlorad älskad gick genom din ytterdörr? Kan du ersätta dem, till och med något? Föreställ dig det känslomässiga draget av att kunna spendera lite mer tid med någon som påminde dig om en person vars död du fortfarande sörjer.

Det är en mycket Petzold-idé i en film som ibland känns som om den kunde ha använt mer tematisk utflyttning. Det är nästan som om författaren/regissören visste att han spelade med teman som han hade använt tidigare och så ville inte bli för dramatisk med dem igen. Följaktligen är “Miroirs nr 3” ganska roligt och vagt när det gäller vad som faktiskt händer. Hur hamnade Laura här? Och varför bryter saker ständigt nu? Det verkar inte slumpmässigt att de två männen i den här filmen är mekanik som hotwire -bilar för att inaktivera sina GPS -system. Alla är förlorade. Några av dem avsiktligt.

Vissa kommer att skriva av “Miroirs nr 3” som en lark, och det jämför definitivt inte med Petzolds största arbete, men det fungerar på sina egna villkor. Liksom sin huvudperson är det kanske inte exakt vad Petzold -fans vill ha men det är trevligt att spendera tid med ändå.