Cannes tycktes vara mer intresserad av att undersöka sin egen historia i årets program, oavsett om det är byggandet av en storslagen arkitektonisk prestation i “The Great Arch”, en berättelse löst baserad på L’Oreal -arvingen i “The Richest Woman in the World”, eller de två filmerna i denna sändning, dramade om konstnärer som är väsentliga för att inte bara sina hemländer men till världen.
Richard Linklater’s “Nouvelle Vague (New Wave)” är ett kärleksbrev till det formbrytande geni av inte bara Jean-Luc Godard utan hela rörelsen som han var en väsentlig del. Skott i svartvitt, det är en lätt-på-dess-feet-undersökning av när Godard blev trött på att titta på hans kritiska kollegor göra hoppet från publikmedlem till regissör och beslutade att göra en av de viktigaste filmerna genom tiderna i “Breathless.”
Linklater undviker främst fällan med “konstförklarande” -filmer genom att hålla sig anmärkningsvärt spry och glädja sig åt Godards spontanitet och avslappnade inställning, en som ofta ledde till timmar med att sitta runt på kaféer tills stämningen slog honom för att skjuta. Det finns något i sig motstridande med att göra en film om formbrytande som inte bryter formen alls själv-Godard nästan säkert skulle ha hatat den traditionella naturen hos denna flick-men som bara kommer att hålla de mest hängivna acolyter av mästaren från att njuta av denna smarta profil av hans geni.
Med ett manus som krediterats till fyra personer – Holly Gent, Vincent Palmo Jr., Michèle Pétin och Laetitia Masson – “Nouvelle Vague” öppnar med Godard (Guillaume Marbeck) och andra medlemmar av vad som skulle bli den nya vågen på gränsen till konstnärlig återupptagning av formen. Godard ses som diskuterar filmtillståndet med hans Cahiers du Cinema Kollegor, av vilka flera gjorde sina egna före honom, till exempel Chabrols “Le Beau Serge” och Vardas “La Pointe Courte.” Trycket för att föra sin vision om vilken film som kan vara på skärmen växer efter en visning av Truffauts “The 400 BLOWS” 1959, och uppmanade sin producent Georges de BeaureGard (Bruno Dreyfurst) för att finansiera en funktion som är löst baserad på en tidningsartikel om Michael Portail, från en behandling av Chabrol. I Linklaters vision övertygar Godard en ung Jean-Paul Belmondo (Aubry Dullin) och Jean Seberg (Zoey Deutch, vars gränslösa charm är perfekt kanaliserad till Seberg) för att hjälpa honom att bryta formen, skjuta “andfådd” på ett nytt sätt, en som värderade konst över förväntan, spontanitet över förutsägbarhet. Resultatet skulle bli en av de mest inflytelserika filmer som någonsin gjorts.
Linklaters film fungerar på grund av hans blåsiga inställning till materialet, en som återspeglar hans absoluta beundran för en trailblazer men saknar den cyniska hagiografin som ofta infekterar ett stycke som det här. Ja, det finns några proklamationer om vad Godard gjorde på bio medan han skjuter “andfådd”, men Linklater föredrar oftare smidiga atmosfären bakom kulisserna över förklaringar om historikskapande filmskapande. Det finns tillfällen då han vacklar i sin tillbedjan: Hela produktionen ser nästan för lätt, som om Linklater och hans team är förståeligt rädda för att sätta klichévägsspärrar på Godards sätt på grund av hur mycket det skulle leda till melodrama, men det leder till en film med liten konflikt. Beauregard -trassor över pengarna som FN PEU och Seberg kämpar med improvisationsmetoden, men “Nouvelle Vague” kan leda till att människor tror att en av de viktigaste rörelserna i filmhistorien faktiskt kom till ganska lätt.
Vilket leder till att man undrar exakt vem “Nouvelle Vague” skapades för? De som känner till sin Rohmer från sin Cocteau kommer inte riktigt att lära sig något av det – och titelkort i slutet om de karriärer som människor som Belmondo och Godard skulle fortsätta att utveckla är antingen lekfulla parodi eller löjliga trivia som någon som tittar på detta skulle veta – och det känns som en udda inträdesplats i den nya vågen när man bara kunde titta på “de 400 blåsiga” eller “andasslösa.” I den meningen är det mer en sidorätt eller en aptitretare än hela måltiden, även om det är välsmakande.
Det finns en liknande osäkerhet om exakt vem som är den förväntade publiken för Sylvain Chomets “Ett fantastiskt liv,” Även om dess ämne verkligen inte har samma internationella medvetenhet som Jean-Luc Godard. Den mästerliga animatören bakom “The Triplets of Belleville” och “The Illusionist” beskriver livet för den älskade dramatiker Marcel Pagnol, som cyklar genom viktiga händelser i hans barndom och vuxna år på ett sätt som är något standard för biopiskgenren men med det frodiga visuella språket. Liksom Linklater kan den här filmen känna sig lite liten jämfört med både sitt ämne och de andra verk av dess regissör men Chomets öga för handritad animation förblir en gåva och den här filmen är djupare än den först verkar, på dess mest intressanta när det spelar med hur Pagnols röst utvecklades för olika medier, och går från teaterdialogen till den bildskap av film till den skriftliga ordet.
“A Magnificent Life” öppnar med en Pagnol på sextiotalet, ombedd att skriva en memoar för Älteoch borsta på själva idén. Han börjar prata, bokstavligen, med sitt yngre jag, som kommer att vara en slags guide genom sina minnen, en strategi som verkligen bara kunde fungera i animering. Chomet hoppar genom Pagnols liv när dramatikern försöker ta reda på vad han ska inkludera i memoaren och komma överens med hans kärlekar, segrar och förluster.
Så vi ser Chomets barndom, hans tid på 20 -talet i Paris när han skrev fungerar som Stekning och Mariuskämpar för att matcha sin röst med vad en betalande publik ville se. Det finns scener av hans tidiga äktenskap med Simone Collin, som känns som ett offer för att han är mer hängiven till hans arbete än hans partner. När Pagnol kommer till London 1929 och ser en film för första gången, är han berömd för att få sitt spel Marius Anpassad till en av de första franska pratande hits. Chomet träffar alla beats härifrån, åtminstone för någon som inte är alltför bekant med ämnet, inklusive Pagnols rörelse till romaner, inklusive de älskade Jean de Florette och Vårens manon.
Liksom Linklater är Chomet noga med att undvika öppen melodrama. Han har gjort en film som är vördnadsfull av en smart, konstnärlig man men den placerar inte honom på för hög av en piedestal för oss att se honom. Och naturligtvis berättar han den här historien genom den lyriska animationen som gjorde honom till en jätte i sin bransch. I den meningen, medan dessa filmer är hyllningar till skaparna av det förflutna, är de framgångsrika eftersom hur mycket de säger om två konsekvent underhållande filmskapare från nutiden.
[/gpt3]
