Teman dyker upp på filmfestivaler, reflektioner av internationella ångest och problem som samlas in i konst. Ett tidigt samtalstema vid Cannes 2025 har varit våld mot kvinnor, men mitt personliga program verkar ha dragit mig till historier om barn i fara eller tider med kriser (kanske för att jag har tre egna pojkar). Barnen är inte okej i tre filmer, varav en kan bli en blygsam arthouse -hit för sin debutfilmare.
Charlie Polinger dyker in i bekanta vatten med sitt mobbningsdrama “Pesten” Men han gör det med självförtroende för unga artister och en förmåga att vrida spänningar även med en berättelse som finns på en relativt förutsägbar järnväg. Nykomlingen Everett Blunck är fantastisk som Ben, ett barn i ett träningsprogram för vattenpolo (lärt av en typiskt stark Joel Edgerton), en av de platser som föräldrar skickar sina barn i några veckor, vanligtvis på sommaren. Ben och hans pubertydrivna kollegor är 12-13 år gamla och det är 2003-så du kan se vart detta går. (Jag nämner året eftersom som förälder till barn på 2020 -talet är mobbning ett så vanligt ämne med lärare, administratörer och instruktörer att det känns som att perioden är avgörande för att engagera sig med detta exakt – och jag missade det först så gör inte samma misstag).
Ben är helt klart en empatisk ung man, som förmedlas genom Bluncks berörda inställning till ett annat barn som heter Eli (Kenny Rasmussen), en som gruppen har bestämt har “pesten.” Varje gång han kommer nära dem, springer de och skriker. De tvättar kraftigt om han rör vid dem. Och för att vara rättvis har Eli ett hudtillstånd som en före tonåring kan hitta störande, men Polinger antyder nästan att det är en produkt av mobbning istället för tvärtom. Grymhet kan ge dig bikupor.
Oavsett anledning blir Eli, som är socialt besvärlig till att börja med, ett mål för oavbruten mobbning, mycket av det koordinerat av den smirkande Jake (framtida stjärna Kayo Martin). Till att börja med kämpar Ben med vad han ska göra och veta att försvarande Eli kommer att göra honom till ett mål också. Tittarna vet vart detta går. När allt kommer omkring, mobbar vanligtvis inte på ett offer länge.
De välkända vägmarkörerna i “The Plague” bryts upp av Polingers snygga riktning – han använder Johan Lenox poäng som om han gör en skräckfilm och får mycket körsträcka av att imponera undervattensbilder av unga ben som sparkar för att stanna över vattnet – och ännu mer, den unga rollen. Några av “ungdomsdialogen” från gruppen känns alltför skriptad, men Blunck och Martin drar tillbaka filmen varje gång den hotar att omfamna sina klichéer. Blunck förstår hur det är att fångas mellan vad du vet är rätt och vad du kan behöva göra för att överleva; Martin är noga med att inte ursäkta Jakes fruktansvärda beteende, men vi kan också se det trasiga barnet i honom.
Jag önskar att Polinger tillät dem att vara ännu mer komplexa – måste mobbaren vara från ett trasigt hem och de mobbade måste vara vegetarianer eftersom det är meningsfullt att äta djur? – men han bevisar med denna debut att han har något att säga och filmskapande chops att säga det. Trots mina nitpicks med den här tror jag inte att jag kommer att se en mer lovande debut på denna Cannes.
Även om jag inte skulle invända mot någon som ger samma proklamation om Diego Céspedes och hans ambitiösa “Det mystiska blicken från Flamingo.” Den sällsynta chilenska filmen som någonsin gör Cannes-line-up, “Flamingo” använder AIDS-krisen för att kommentera Found Families på ett sätt som känns nästan övernaturligt och mystiskt. Det handlar om besatthet och uppdelning, hur människor kan dras ihop och tvingas isär av saker de inte förstår som passion och till och med sjukdom. Det är lite repetitivt, känns ofta som en bättre kort dras till funktionslängd, men Céspedes har definitivt en röst som är värt att höra och ett öga värt att se.
I ett riktigt galet tillfällighet har “Flamingo” också “The Plague”, när vi introduceras till vår hjälte, en 12-åring som heter Lidia (Tamara Cortés) när hon blir mobbad med samma spel i sin chilenska ökenhem 1982. Lidia verkar vara den enda flickan i den här staden som är mobbad av dumma pojkar, manliga gruvor, och en hemlopp 1982. Lidia verkar vara den enda flickan i den här staden som är ockuperade av dumma pojkar, manliga gruvor, och en hemlov 1982. Gruvarbetarna kommer till denna bar/hem för att se människor som Flamenco (den fängslande Matías Catalán) uppträda, nitade av hennes närvaro även om de ofta våldsamt gör uppror mot sin attraktion mot henne och hennes medartister. Gruvarbetarna tror att om de ser för länge in i ögonen på någon som Flamenco så kommer de att få en sjukdom som den som dödar hennes sexuella partner Yovani.
Med tanke på inställningen och ämnet är AIDS -allegorin uppenbar, men den används också på ett mindre definitivt sätt att kommentera förbjuden besatthet, skylla på objektet för önskan istället för den person som önskar. Det är också värt att komma ihåg att det här är en berättelse som berättas från POV av en 12-årig flicka, en som är lika förtrollad av Flamenco på sitt eget sätt. Naturligtvis skulle något så slående som Flamenco på en plats så ödslig som Lydias by behöva vara helt övernaturlig.
“Det mystiska blicken från Flamingo” tar slut på nya idéer innan länge, men Céspedes och hans roll har fått tillräckligt med goodwill vid den punkten för att hålla tittaren. Det är en annan debut som är mer lovande än någonting annat, och jag skulle inte bli förvånad om nästa chilenska film för att spela Cannes också var av Céspedes.
Slutligen finns det en filmare som inte är främling för den internationella festivalkretsen, Fatih Akin. Sedan han hade premiär på det fenomenala “head-on” i Berlin 2004 och vann Golden Bear för det som fortfarande är hans bästa film, har Akin lovordats på europeiska filmfestivaler. “The Edge of Heaven” och “In the Fade” vann båda priser i Cannes. Så varför premierar hans “Amrum” ur konkurrensen? Man kan aldrig riktigt veta hur dessa beslut fattas, men det kan bero på att det helt enkelt inte är så bra.
Akin adopterade faktiskt denna berättelse från sin vän Hark Bohm, en filmare som skrev ett spretande manus baserat på sin egen barndom i öns samhälle i Amrum under de avtagande dagarna av andra världskriget. Bohms stand-in är ett empatiskt barn som heter Nanning (Jasper Billerbeck) vars mamma just har födt. När hon återhämtar sig drömmer hon om bröd och honung, som Nanning sätter om att förvärva i en tid då resurser för sådana saker är i knappt utbud.
“Amrum” blir en berättelse om en outtröttlig handling av vänlighet i en trögt grym värld eftersom Akin ständigt påminner oss om skräcken kring Nanning, vare sig det är naturliga som jaga efter sälar eller onaturliga som kroppen av en död soldat som tvättar i land. Hur kan ett storhjärtat barn eventuellt göra det på en plats som detta?
Roten till problemet är att Akin skjuter hans berättelse om ålder med frodiga kompositioner som undergräver eventuell sannolikhet. Det är ofta underbart, men på ett sätt som är alltför betraktat och dyrbart. Det är för vackert för en berättelse om sådan grymhet. (Jag har tagit mig till att kalla det “Bel-Fascist” inte bara för att vara glib utan för att jag också kände att Kenneth Branaghs film var för tillverkad.)
Akin detaljer i pressen noterar hur han använde sin filmkunskap för att blanda sin stil med Bohms, dra från filmer som “Bicycle Thieves”, “Shoeshine”, “The Night of the Hunter” och “Stand by Me.” Kanske är det inte förvånande att all denna cribbing leder till en film som aldrig hittar sin egen röst. Dess hjärta är på rätt plats; Det slår bara inte.
[/gpt3]
