Om du har följt, kommer du att märka att de flesta av dessa kapslar har tagit påsar som inte nödvändigtvis är kopplade till deras festivalplacering eller till och med teman. Men den här är annorlunda. Varje film här spelade inte bara som en del av huvudtävlingen. De hade också premiär samma dag. Dessa verk kopplas vidare av deras intresse för minne och förlust, bevarar det förflutna och kämpar för att titta mot framtiden – det kan också tillämpas på andra festivalhöjdpunkter som “Renoir” och “My Faders Shadow.” Två av dessa tre filmer kan också vara bland de bästa på Cannes. Så låt oss börja på en hög.
I författare/regissör Joachim Triers ”Affektionsvärde”En tyst seismisk familjär dramatik, är två nära systrar, en avlägsen far och ett oumbärligt hem kopplat till generationer värda känslomässiga oro. Triers gnagande, intim uppföljning av” den värsta personen i världen “, finner den djupa i den vardagliga, upplösningen i tvetydighet och helande i smärta. Skapa.
Det börjar med personifieringen av ett familjhem, ett lysande rött och grönt viktorianskt hus som har överförts från generation till generation. Genom berättelsen lär vi oss historien om denna mysiga bostad, kärleken som har hänt, slagsmålen som har skramat den och avgångarna som har förändrat dess verve. Just nu upplever systrarna Nora (Renate Reinve) och Agnes (Inbsdotter Lilleaas) en stor förändring, deras mors död. På grund av hennes bortgång kommer hemmet att återgå till Gustav (Stellan Skarsgård), deras avlägsna far. Gustav, som är en berömd filmregissör, är nära med de ofta fredliga Agnes, som ofta fungerar som sin forskningsassistent, men är främmande från sin mycket mer utsatta skådespelerska dotter Nora.
Ändå kommer Gustav tillbaka till Noras liv som brandar ett manus med en huvudroll som han har skrivit för henne. Som du kan förvänta dig är Nora inte riktigt angelägen om att vara i sin pops film: de bicker och skadar varandra, och nyligen har hon kämpat med scenskräck. Efter ett chansmöte på en filmfestival erbjuder Gustav istället delen till den amerikanska skådespelerskan Rachel Kemp (Elle Fanning, med hennes bästa prestanda sedan “The Beguiled”). Men till och med det här sidan gör att råa sår skrapas igen.
Trier flyttar otaliga delar här: Han drar tillbaka filmen i historien till landets nazistiska ockupation, kommenterar självmordstankar, uttrycker kraften i systerskapet och till och med hittar tid att kasta in några pottskott på Netflix. Hans film överskrider tiden och, till en punkt, genom linjer, genom att vänta på att avslöja anslutningen till de många epoker och stämningar som han skildrar tills ganska sent i spelet. Trier är fascinerad av konst som ett terapeutiskt verktyg vars medicinska egenskaper bara är uppenbara för konstnären långt efter att processen är klar, varför filmen är uppdelad i så många delar. Dessa är inte kapitel i sig, eftersom varje gång en del är klar bleknar skärmen till svart. Men det här är de naturliga utandningspunkterna för en film vars spända skrivning beordrar dig att hålla andan.
I “Sentimental Value”, är vi begåvade Triers vanliga estetiska kommando: Ljuset lyser med eterisk kraft, färgerna i ramen är varma vid beröringen, kameran rör sig med en nästan gudlik säkerhet. Men skådespelarna lyser ljusast i en film som rör prestanda, särskilt det känslomässiga arbetet som krävs för att förbinda sig till en penetrerande självutforskning. Skarsgård -poäng som en älskvärd, om än ofta besegrade CAD. En förödande Lilleaas levererar flera tarmslag. Reinve återvänder med sitt omöjliga sortiment. Det finns inget val av Reinsve som inte är en total överraskning eller en fullständig uppenbarelse, särskilt i hennes ögon, där melankoli och humor simmar med lika hastighet.
“Sentimental Value” är inte en tår-ryckande affär. Det är faktiskt ganska roligt. Men filmens resonans tar gott om utrymme och längd för att hitta dess avsedda djup. När det äntligen smyger på dig – bryter dig ner innan du bygger dig tillbaka – gör det med en distinkt lätthet som förtjänar att se om.
När den föräldralösa 18-åriga marina (Llúcia Garcia) reser tillbaka till Vigo, Spanien, födelseplatsen för hennes föräldrar, anländer hon med ett mål i åtanke: hon vill bli officiellt erkänd som sin fars dotter. Se, när hennes far dog av AIDS tillbaka 1992, var han och Marinas mamma inte gift. För att förvärra problemet är hennes fars familj en välmående gäng. De vill hellre låta det inte vara offentligt känt att deras tidigare heroinberoende son och svärdotter hade ett barn utanför äktenskapet. Men Marina gör fortfarande resan och ansluter sig igen med sina farbröder, moster, kusiner och konservativa morföräldrar för att lära sig om den familj hon knappt känner.
”Romería”Författare/regissör Carla Simóns semi-autobiografiska tävlingstitel, går igenom minne och förlust för en tyst, visuellt kreativ historia.
Även om Marina var föräldralös i ung ålder, är hon inte helt i mörkret: hon anländer till Vigo beväpnad med sin mors detaljerade tidskrift, som sträcker sig 1983-86. Hon håller också kära berättelserna som berättas av sin sida av familjen om sin pappa. Liksom ett telefonspel lär hon sig snart att hennes berättelser skiljer sig från sin nya familjs erinring. Simóns Agile-skript visar vidare hur tidens gång kan förändra våra uppfattningar om människor och händelser: hon sammanflätar Marinas familjesamtor med scener med hennes avlidna föräldrar, vilket gör dem som en slags rester på både denna havstad och de de lämnade efter sig.
Romería rör sig meditativt, böjd av Simóns förtrollande rendering av den bländande blå Ria de Vigo. Garcia som Marina är lika fängslande och driver genom denna nya miljö tyst men kontinuerligt observant. Marina besöker sina föräldrars gamla Haunts och talar om sina föräldrar med sin farbror, Lois (Tristán Ulloa), och hennes kusin, Nuno (Mitch Martín). Hon är en blivande filmare och bär också en videokamera med sig och spelar in området med en hängivenhet nivå som får en att tro att hon är rädd för att även denna plats försvinner.
I likhet med Simóns “Alcarràs” är “Romería” en livlig film om alla skandaler, klyftor och anslutningar som kan ingå i familjer. Omvänt är “Romería” mer drömlik och sprickad men inte mindre känslomässigt direkt. Den ovannämnda Garcia är en stor del av filmens patos och överför en häpnadsväckande hollowness på hennes syn som trotsar all snygg tolkning. Och när Simón äntligen bestämmer sig för att dra oss tillbaka till tiden fullt ut, görs det inte som fusk. Flytten omsluter det ömma hjärtat som driver denna blyga tjej mot att definiera hennes existens, vilket gör ett fantastiskt porträtt av förlust och återhämtning.
Hur lägger jag detta delikat? Oliver Hermanus ‘Queer -periodfilm, “Ljudets historia,”Är en trite borrning. Det börjar 1910 Kentucky. Kameran skummar över en flods vatten, där en väderbitna röst påminner om deras musikaliska förmåga,” Min far sa att det var en gåva från Gud. “
Vi glimtar först Lionel (Paul Mescal), den enda sonen till två hårt arbetande jordbrukare, som en pojke som lyssnar på sina föräldrar sjunger folklåtar på deras veranda. Den äldre Lionel (uttryckt av Chris Cooper) förklarar vidare att hans musikaliska gåvor var tillräckligt för att vinna honom en plats på New England Conservatory of Music. Snabbspolning fram till 1917, när Lionel, som sitter i en bar, hör kollegan David White (Josh O’Connor) som krönar en folksång som han känner igen, och du är smack dabb i mitten av en film som vill att du ska tro att den begränsade meskal är en annan världssångare. Lionel och David kommer så småningom att bli oskiljaktiga innan David lämnar för första världskriget, återvänder till en expedition och försvinner igen.
Anpassad av Ben Shattuck från sin egen samma novell, “The History of Sound” Sorta snurrar bort från Hermanus (“Living”). Du får känslan av att detta kunde ha varit som Terence Davies “Benediction”, en annan film som blandar minne och ånger, sexualitet och krig för att överväga livet för queer människor från hundra år sedan. Men filmens starka start, som är fylld med lugnande folkballader och traditionella låtar, löper ut av ånga med varje halvhjärtad räckvidd av Hermanus för viktiga teman. Ta låten och samla expeditionen David och Lionel under 1919 ner USA: s smuts och bakvägar, här möter paret underbar musik men inget annat. Lionel gör några vaga argument om den tunna linjen mellan att bevara och plundra dessa låtar och David tar en svag inställning mot rasism, men det här är blippar i den större historien. På samma sätt kämpar filmen för att göra någon meningsfull kommentar om klyftan mellan landsbygden och urbana, och de potentiellt olika liv som var och en erbjuder för queer -män.
“The History of Sound” är ytterligare hobbled när O’Connor lämnar bilden. Den platta, inkongruösa regissören blir mycket tydligare utan hans vidd och bevakad sårbarhet. På allvar väljer Hermanus och hans kinematograf Alexander Dynan (”först reformerad”) några smickrande vinklar för att rama in sina stiliga ledande män. Mescal arbetar övertid för att hålla allt ihop, bara för att falla isär. Även om detta är den typen av nyanserad, inredningsbaserad roll han utmärker sig på, efter misslyckandet av “Gladiator II”, blir det allt tydligare att han är obekväm som den främsta ledningen. Han behöver en kapabel scenpartner, till exempel Andrew Scott i “Alla oss främlingar”, för att hans anteckningar ska arbeta i harmoni.
Hermanus förstör alla möjligheter för “The History of Sound” att trylla fram viss resonans genom att fatta ett obegripligt beslut för sin slutsats. I stället för att avsluta på Cooper, som levererar en krossande föreställning, flyttar han tillbaka i tiden och räcker till en berättande snygghet som förråder den tragiska komplexiteten som denna film vill ha, men kan inte erbjuda.
[/gpt3]
