Detta är mitt första år på Cannes, och medan tematisk synergi förväntas på en given filmfestival är jag förvånad över hur lätt det har varit att hitta likheter mellan ett visst sortiment av projekt. Ta de tre filmerna i denna tilldelade avsändning, som, när de är grupperade, kan göra sin mini-film-serie, som talar till hur kreativa är i en okänd konversation med varandra. Dessa projekt har premiär i Cannes Classics, Critics Week och Director’s Fortnight, och handlar om karaktärer som försöker återuppbygga sina liv efter katastrof och utforska hur framåt ser ut i kölvattnet av skador de har fått eller har haft en aktiv del i formningen.
“Slauson Rec” Anlände till croisetten med massor av bakad kontrovers och av goda skäl: Det är dokumentären baserad på skådespelaren Shia LaBeoufs fria teaterskola, som han startade 2018. LaBeouf har anklagats och stämts av årets FKA för sexuellt batteri, övergrepp och emotionell nöd, och hans förstörande beteende har varit väl dokumented i åren; Jag gick in i denna tittande trött att filmens premiär bara skulle vara ett annat sätt att erbjuda en onödig plattform. Regissören Leo Lewis O’Neil har skapat ett projekt som handlar mindre om att tillhandahålla ursäkter eller mytologisering av LaBeouf. Istället varnar han mot vad som händer med samhällen som avvisar deras kollektiva makt till förmån för att bli formad av egot och machinationer av en ensam karismatisk ledare.
Dokumentaren öppnar med en intervju av LaBeouf som adresserar O’Neils kamera direkt och delar att “han är motiverad att prata … eftersom jag känner att det är där mitt verktyg ligger.” Under de kommande två och en halv timmen kommer LaBeouf att göra mer än att prata, men det är ett fascinerande (och nödvändigt) sätt att förankra filmen innan du dokumenterar allt som följer. Det missbruk som vi bevittnar från Labeauf till hans elever är inte en hemlig exponering utan gjort, om inte med hans välsignelse, åtminstone med hands-off störningar och akut kunskap.
O’Neil delar hur han var en av de första deltagarna i LaBeoufs teaterskola och att han uppmuntrades av LaBeouf att spela in teaterns händelser. Labeouf betonade att hans program skulle undvika de traditionella fångarna i en skådespelarklass och fungera mer som ett laboratorium där deltagarna kunde kompensera för brist på yrkeserfarenhet så länge de hade “en berättelse som behöver berätta.” O’Neils kamera dokumenterar dessa tidiga dagar med en påtaglig känsla av spänning, och det är lätt att inte fastna i förväntan och tron att alla samlade på gränsen till något stort.
Det tar inte lång tid för klassen att utvecklas i en mardröm. När truppen börjar arbeta mot ett långformat projekt, “den nya människan”, LaBeoufs bellicos-upptäckter äger rum, när han verbalt missbrukar och skriker på sin trupp, på vissa punkter som kommer upp nära ansiktet och till och med fysiskt driver en medlem för att prata tillbaka till honom. Det är svårt att tro att det hände, än mindre vi tittar på det, men vår misstro är avstängd eftersom O’Neils kamera sällan skär bort dessa ögonblick och tvingar oss att sitta med dem långt efter det som skulle vara bekvämt eller acceptabelt.
Det är inte att säga att han inte flexar sina talanger som filmskapare, som främst kommer ut i någon smart redigering, där han understryker hyckleriet i det egalitära samhället LaBeouf försöker bygga och hur det kolliderar med skådespelarens önskan om kontroll. Exempel: I en sekvens där LaBeouf ropar på skådespelarna att de “ser ut som skräp”, spelade en låt med kören “vi aldrig stänger tillbaka” över hans ord, som för att indikera att Slauson redan gick ner en förbränningsväg som ingen person kunde ha hjälpt till att styra kursen.
Medan vissa projekt kan ha ströat in delar av dessa bilder för dramatisk effekt, lämnas vi för att bevittna LaBeoufs skildring av hur missbruk inte bara skadar människor på en individuell nivå utan leder så småningom till ett fraktur och uppdelning av samhället som helhet. För många, särskilt de individer som Labeouf direkt skadar, kommer detta att vara lika katartiskt eftersom det är smärtsamt att bevittna dessa handlingar. Om det finns något bra från att sätta denna dokumentär i världen, förhoppningsvis, kan denna ofiltrerade exponering vara det första steget till läkning för dem som har varit tvungna att lida i tystnad.
Om “Slauson Rec” är obehagligt förtöjd i de dystra och närliggande verkligheterna som den visar, momoko setos animerade epos “Dandelions Odyssey” Erbjuder en förtrollande vision uppfriskande bort från vår egen. Det är en av dessa lokaler som måste ses att man tror, med fokus på fyra vänner: Dendelion, Baraban, Léonto och Taraxa. De är inte bara ärtor i en skida, utan snarare bokstavliga frön från samma maskros. Setos film är utformad för alla människor som tittade på “flöde” och tänkte “de borde göra en av dessa men för växter”, spårar Setos film fröns kosmos-sprawling odyssey när en kärnkraftsexplosion förstör jorden och lanserar dem i rymden. Efter att ha kastat sig genom stjärnsystemet (och mött några rymd bläckfiskar längs vägen), landar de på en okänd planet, där de hoppas kunna etablera permanent hemvist.
Setos film är dialogfri, vilket ger den en dokumentärliknande effekt när hennes kamera följer fröns vistelse genom kända och okända länder. Utan ansikte för att förankra frönna är det ett tufft uppmaning att empatisera och ansluta till dessa fyra karaktärer, men Seto presenterar dem personlighet genom att fokusera på deras fysiska rörelser, särskilt på de sätt som frön kommer att hoppa i spänning (till exempel när de hittar bördiga jordar att plantera sig i) eller deras vita spetsar kommer att skrika i rädsla när som helst de känner att en ny varelse är närliggande. Seto spelar också med sin storlek på kreativa sätt; Allt till ett maskrosfrö är svagt, vilket innebär att varje ny utveckling i landskapet, oavsett hur liten, från blommande svampar till en anspråkslös zephyr, ger antingen spänning eller skräck.
Särskilt spök är när tre av frön möter en snigel (eller åtminstone den okända planetens tillnärmning av en snigel) för första gången. Setos kamera kvarstår på sniglens ansikte för en takt för lång för komfort, vilket tillåter dess utomjordiska-liknande funktioner och långsträckta, sondande ögonbollar för att vara skrämmande genom förstoring. Det är ett sätt att hjälpa filmen aldrig att överskrida sitt välkomnande, även om jag bara 77 minuter skulle ha tagit en hel halvtimme av maskrosor med andra varelser (kanske finns det capybaras på denna planet för?)
Jag misstänker att människor i alla åldrar kommer att finna mycket att svängas av i “Maskros Odyssey”, men det är också en film som firar den påtagliga glädjen när de i migration och flygning äntligen kan bosätta sig och ringa någonstans hem, och gåvan i ett samhälle för att hjälpa till att grunda dig när du är i transit. Jag trodde inte att jag skulle bli så rörd att se maskrosor åka ovanpå sniglar, men jag har svårare tid att hitta en mer rörande och nyckfull bild av en hittad familj på bio i år.
Att föra tillbaka saker till en värld som träffar för nära för komfort, regissör Lloyd Lee Choi’s “Lucky Lu” är den typen av anspråkslös debut som sätter en hjärtskärande snurr på en berättelse som vi tror att vi kanske har sett tidigare. Varje gång jag förväntade mig att det skulle utvecklas till fattigdomsporr eller melodrama, levererar den något helt avväpnande. Det är en knutig film på det sättet, eftersom det kan vara svårt att förutsäga vart den går. I det avseendet förkroppsligar den andan hos sin primära huvudperson, som vet en sak eller två om att behöva en kameleon för att överleva.
Filmen öppnar med Lu (Chang Chen) som arbetar som en leveranscykelrytare och efter åratal med att leverera avhämtning till det mest tacksamma i NYC, han skjuter runt tillräckligt med medel för att flytta in i en lägenhet med sin fru Si Yu (Fala Chen) och dotter Yaya (Carabelle Manna Wei). Si Yu och Yaya flyger in från Kina, och när Lu får huset i ordning är det rörande att se honom öppna sig i väntan på deras ankomst. Naturligtvis är nya början sällan lovade, särskilt för dem som har tjänat dem och behövt dem mest, och efter en restaurang tar lite för lång tid för att förbereda mat för hämtning, upptäcker Lu att hans cykel har stulits. Han tävlar mot klockan för att få sin cykel, som är bunden till hans försörjningskälla, och filmen expanderar från den punkten för att omfatta den oförskämda väckningen som han och hans familj kommer att gå igenom när de försöker göra sina drömmar till verklighet i Amerika.
Norm Li’s Cinematography lägger till ytterligare en kylande dimension till Chois film; Filmen äger rum i NYC, men den fångas med en sådan tyngd som står i kontrast till stadens livliga energi. Allt känns dämpat och skjutet i ett molnigt ljus som om staden ständigt slumrar. Det finns en säkerhet i anonymiteten i en stor stad, men det är också dess typ av dödsdom, där ingen bryr sig om du gör det eller dör.
Ingenting om filmen känns överskattad i den meningen, vilket gör att Lu’s berättelse och inre demoner kan manifestera sig. Lu försöker sitt bästa för att försörja sin familj, men han har också drömmar utöver att överleva. Den körningen driver honom att göra tvivelaktiga saker, och även när Lu rånar en annans cykel eller våldsamt hotar någon som är skyldig honom pengar, hittar Chen alltid ett sätt att förankra Lu’s mänsklighet genom de värsta av sina handlingar.
Särskilt beröm är Manna Wei som Yaya, som tvingas se de hårda verkligheterna i världen genom priset av hennes förälders brister; Hon är äldre och listig, och hennes nyfikenhet påminner Lu om att han kämpar så att hon inte behöver ta till samma metoder för överlevnad som han har tvingats.
“Hans drömmar skulle fylla rummet,” berättar Yayas moster henne, och det är den här linjen som hjälper till att rekontextualisera den gruffness som Lu har visat tidigare, att hans härdade yttre fungerar som ett sätt att skydda sina drömmar och hoppas som kan ryckas så snabbt som någon kan klippa ett cykellås. “Lucky Lu”, för alla dess dystra exteriörer, förlorar aldrig synen på detta varma centrum.
[/gpt3]
